Ruth Asawa alla Fondation Beyeler: l’arte prende forma attraverso il filo

Ci sono sculture che sembrano sfidare la gravità, forme leggere che si sviluppano nello spazio lasciando passare la luce. Sono le creazioni di Ruth Asawa, artista americana di origine giapponese che ha trasformato il filo metallico in un linguaggio artistico immediatamente riconoscibile. Dal 18 ottobre 2026 al 10 gennaio 2027, la Fondation Beyeler di Basilea le dedica la prima retrospettiva europea, riunendo oltre 200 opere tra sculture, disegni, stampe e lavori su carta. Una mostra che invita a osservare da vicino il rapporto tra gesto, materia e natura, riscoprendo una delle figure più originali della scultura del Novecento.

Ruth Asawa alla Fondation Beyeler: una retrospettiva tra arte e artigianato

In occasione del centenario della nascita di Ruth Asawa, la Fondation Beyeler presenta un percorso espositivo che attraversa sessant’anni di ricerca artistica. La mostra, sviluppata in collaborazione con il San Francisco Museum of Modern Art e il Museum of Modern Art di New York, arriva in Svizzera arricchita da circa quindici opere esposte esclusivamente in questa sede. Un ampliamento che permette di approfondire soprattutto il legame dell’artista con il mondo naturale, fonte inesauribile di forme, strutture e suggestioni.

Il percorso restituisce la complessità di una produzione che non si è mai limitata a una sola tecnica. Accanto alle celebri sculture sospese compaiono fusioni in bronzo, lavori realizzati attraverso la piegatura della carta, litografie e disegni botanici. Materiali differenti che condividono una medesima sensibilità: la capacità di riconoscere nella semplicità delle cose quotidiane un potenziale espressivo. Per Asawa, infatti, arte e artigianato non appartenevano a mondi separati, ma rappresentavano due manifestazioni della stessa attitudine creativa.

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Ruth Asawa, la storia dell’artista che trasformò il filo metallico in scultura

Nata nel 1926 a Norwalk, in California, Ruth Asawa trascorse l’infanzia nella fattoria di famiglia, dove imparò presto il valore del lavoro manuale. Un’esperienza destinata a lasciare tracce profonde nella sua pratica artistica. La sua adolescenza fu però segnata da uno degli episodi più dolorosi della storia americana: nel 1942, dopo l’attacco giapponese a Pearl Harbor, lei e la sua famiglia furono incarcerate nei campi di internamento destinati alle persone di origine giapponese.

Terminata la Seconda guerra mondiale, Asawa intraprese un percorso di formazione al Black Mountain College, nella Carolina del Nord, frequentato tra il 1946 e il 1949. Qui entrò in contatto con personalità come Josef Albers, Richard Buckminster Fuller, Merce Cunningham e il matematico Max Dehn. Un ambiente sperimentale e interdisciplinare che incoraggiava gli studenti a superare le distinzioni tradizionali tra le diverse forme di espressione.

La svolta arrivò nel 1947, durante un viaggio a Toluca, in Messico. Osservando una tecnica tradizionale utilizzata per intrecciare ceste, Asawa intuì le possibilità offerte dal filo metallico. Trasferì quel procedimento nella scultura, dando origine a forme sospese, trasparenti e apparentemente prive di peso. Un materiale industriale diventava così uno strumento poetico, capace di costruire volumi senza nascondere lo spazio che li attraversava.

Le sculture di Ruth Asawa: quando la materia incontra la leggerezza

Osservare una scultura di Ruth Asawa significa confrontarsi con un oggetto che cambia continuamente aspetto. Le superfici intrecciate lasciano filtrare la luce, mentre le ombre proiettate sulle pareti diventano parte integrante dell’opera. Non esiste un unico punto di vista privilegiato: ogni movimento dello spettatore rivela nuove sovrapposizioni e relazioni tra le forme.

Tra le caratteristiche più affascinanti della sua produzione compare il principio delle «forme continue dentro altre forme», attraverso il quale l’artista costruiva strutture concentriche e interconnesse. Le sculture sembrano talvolta evocare organismi marini, semi, frutti o elementi vegetali, pur mantenendo una dimensione astratta.

Ferro, rame e ottone venivano lavorati attraverso gesti pazienti e ripetitivi. L’intreccio richiedeva precisione, sensibilità e una conoscenza profonda del comportamento dei materiali. Un processo che presenta interessanti affinità con il mondo dell’alta artigianalità, dove la qualità dell’oggetto nasce dalla relazione tra mano, tecnica e tempo. Nelle opere di Asawa, tuttavia, la perfezione non coincide con la rigidità: le forme conservano un carattere organico, quasi fossero cresciute spontaneamente nello spazio.

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Ruth Asawa e la natura: dalle forme botaniche alle sculture sospese

La natura attraversa tutta la produzione di Ruth Asawa, non soltanto come soggetto da rappresentare, ma come modello da osservare e interpretare. Foglie, rami, fiori e strutture vegetali diventano occasioni per studiare il rapporto tra pieni e vuoti, simmetria e movimento.

Nel 1962, una pianta del deserto portata in dono da alcuni amici ispirò una nuova fase della sua ricerca. Alle sculture realizzate attraverso l’intreccio si affiancarono opere costruite con fasci di fili metallici annodati, capaci di svilupparsi nello spazio come rami o infiorescenze. Una trasformazione che dimostra quanto Asawa fosse interessata ai processi di crescita e alle geometrie spontanee del mondo naturale.

La stessa attenzione emerge nei suoi disegni, dagli acquerelli dedicati agli eucalipti agli studi degli alberi del Golden Gate Park di San Francisco. Attraverso pochi segni, l’artista riusciva a restituire la complessità di una struttura vegetale senza appesantirla con dettagli superflui. Il vuoto diventava importante quanto il tratto, anticipando quella sensibilità per lo spazio che caratterizza le sue opere tridimensionali.

Ruth Asawa, dal Black Mountain College alle sperimentazioni su carta

Prima ancora delle sculture metalliche, Ruth Asawa aveva esplorato le possibilità espressive della carta. Durante gli anni di formazione al Black Mountain College, gli insegnamenti di Josef Albers e l’interesse per l’origami contribuirono a sviluppare una ricerca basata sulla trasformazione delle superfici.

Piegare un foglio significava per lei modificare il rapporto tra bidimensionalità e volume, osservando come un materiale apparentemente fragile potesse acquisire struttura attraverso un gesto preciso. Un esempio significativo è il rilievo Untitled del 1951, presente nel percorso espositivo, nel quale la piegatura diventa un autentico principio scultoreo.

Negli anni successivi l’artista continuò a sperimentare tecniche differenti. Nel 1965, durante una residenza di tre mesi al Tamarind Lithography Workshop di Los Angeles, realizzò oltre cinquanta litografie, approfondendo ulteriormente il proprio interesse per le forme vegetali. Questa libertà espressiva rivela una caratteristica fondamentale del suo lavoro: la volontà di non lasciare che una tecnica, per quanto riconoscibile, diventasse un limite alla ricerca.

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Ruth Asawa a San Francisco: arte, famiglia e impegno sociale

Nel 1949 Ruth Asawa si trasferì a San Francisco insieme al marito Albert Lanier, città nella quale avrebbe vissuto e lavorato fino alla morte, avvenuta nel 2013. Qui costruì una famiglia con sei figli e sviluppò una rete di relazioni artistiche e sociali che contribuì a definire il suo percorso.

La creatività, nella sua visione, non apparteneva esclusivamente agli atelier o ai musei. Poteva manifestarsi nella progettazione degli spazi domestici, nell’educazione dei bambini e nella vita collettiva. Ne sono un esempio le porte in legno di sequoia intagliate per la propria abitazione nel 1961, presenti nella retrospettiva. Un oggetto quotidiano diventava così parte integrante della ricerca artistica, senza perdere la propria funzione.

Dalla fine degli anni Sessanta, Asawa iniziò inoltre a realizzare numerose opere pubbliche, tra cui fontane, monumenti e interventi commemorativi. La San Francisco Fountain, realizzata tra il 1970 e il 1973, e il Japanese American Internment Memorial, sviluppato tra il 1990 e il 1994, testimoniano il desiderio di creare luoghi capaci di favorire l’incontro e la memoria condivisa.

A questo impegno si affiancò una costante attività a favore dell’educazione artistica nelle scuole pubbliche della San Francisco Bay Area. Asawa riteneva che la creatività fosse una capacità da coltivare fin dall’infanzia, non un privilegio riservato a pochi. Una convinzione che rende la sua eredità particolarmente attuale.

Visitare la mostra Ruth Asawa alla Fondation Beyeler di Basilea

La retrospettiva trova una cornice particolarmente suggestiva negli spazi della Fondation Beyeler, a Riehen, nei pressi di Basilea. Immerso in un ampio parco, il complesso museale mette in relazione arte, architettura e paesaggio, offrendo un contesto ideale per una produzione tanto legata alla natura e alla percezione dello spazio.

L’esposizione è accompagnata da un programma di visite guidate, incontri e laboratori che invitano il pubblico a sperimentare direttamente alcune delle tecniche care all’artista. Dalla piegatura della carta all’intreccio dei materiali, le attività propongono un’esperienza dell’arte che coinvolge anche il gesto e la manualità, andando oltre la semplice osservazione.

Tra gli appuntamenti figura anche l’incontro musicale del 27 novembre, durante il quale l’arpista Estelle Costanzo interpreterà In A Landscape di John Cage nelle sale della mostra, creando un dialogo tra le composizioni minimaliste e le forme sospese di Asawa.

La retrospettiva rimarrà aperta fino al 10 gennaio 2027. Un’occasione per conoscere un’artista che ha saputo trasformare materiali comuni in opere di sorprendente delicatezza, dimostrando come la ricerca della bellezza possa nascere anche dai gesti più semplici.